看著“謝亭豐”，很多觀眾會覺得這個演員眼熟。這幾年，楊皓宇作品不少，他的表演，亦莊亦諧，質樸自然。
《安家》劇照
電視劇《安家》熱播，楊皓宇[微博]所飾演的“謝亭豐”則成為劇中最亮眼的角色之一。這個“老油條”梳著大油頭，花襯衫扎進褲腰，夾著個皮包，見人三分笑，舌燦蓮花，滑不留手。實在是演繹出了上海弄堂里市井爺叔的精明勁兒，但同時這又是一個內心善良，有堅持有擔當的角色。
看著“謝亭豐”，很多觀眾會覺得這個演員眼熟。這幾年，楊皓宇作品不少，《龍門鏢局》里的恭叔，《流浪地球》里的何連科，電視劇《白鹿原》里的冷先生。他的表演，亦莊亦諧，質樸自然。他塑造的喜劇角色尤為能深入人心，楊皓宇表示，他不喜歡“撓觀眾癢癢”的那種夸張的喜劇表演方式，他更傾向于人物性格和情景中自帶的喜劇點，“我在演繹的時候也是盡量真誠地去演繹。”而撇開這些喜感的人物，楊皓宇本人，自認是個“沉默寡淡”的人。
《白鹿原》截圖
對于謝亭豐這個人物，楊皓宇有他的親切感。他在上海的弄堂里生活過很長時間，對其中的人物原型有很多觀察。他還提到，在拍戲時，他常想到自家的一位親戚。“典型的上海人，個也不高，看上去很精明，特別像弄堂里的大叔。”這為他詮釋這個人物提供了幫助。
楊皓宇出生在重慶，少年時移居上海，兩邊教育完全不一樣，“初中成績一塌糊涂了。”高中讀技校，學機電維修。這算是個好專業，楊皓宇回憶畢業后，1991、92年時，作為一線工人，他的工資帶獎金，將近有4000塊錢，但楊皓宇并沒有從中獲得成就感。他做著電工工作，每天朝九晚五，晚上空閑的時間很多。楊皓宇不愿意待在僅三平方左右大小的寢室里，“我就不愿意住在那，家里也不愿意待，覺得自己24個小時都在外面挺好的。”
因此，他白天上班，晚上打工，在酒店干過跑菜員，在夜場送酒，歌舞廳酒店里的各種職務都干過。做跑菜員的時候，他覺得這世界上最帥的職業就是廚師長，“無比榮光，戴著光環，你知道嗎？如果說我沒有成為演員，我一定會是一個廚師長。”而在夜場的時候，他覺得最有光環的就是DJ，放著各種音樂，成為人群焦點，讓所有人的情緒一起沸騰，一個人掌控整個場子的氣氛。那種腎上腺素飆升感讓他記憶深刻。
“我做電工，從來就沒有特別‘興奮’過。”他回憶著。 當時畢業以后，去看了三峽大壩，那一刻他真是贊嘆人類偉大勞動的力量，在這個人類改造自然創造的宏偉奇跡面前，他腎上腺素飆升，興奮感來了。但回歸到自己日常工作，他卻找不到那種面臨偉大的興奮感。
考進上海戲劇學院，面對燈光，面對觀眾，楊皓宇終于找回那種“興奮”，那是一種來自在舞臺上創造和掌控的自由感。但生活是現實的，剛入演員這一行時，他去劇組跑龍套，一天掙20塊錢，和做電工的時候完全不能比。“那時候我無數次跟朋友聊，聊到后邊我就問自己，我走到這一行到底是為什么？”他總結的是，第一他可以找到志同道合的朋友，第二就是“能讓自己快樂”，“這是一件很重要的事情，這也是我會選這行的原因。”
楊皓宇回憶，剛到上海那會兒，面對完全陌生的世界，他都不大敢跟人說話，也特別自卑。“我那個時候覺得我很內向，又不善于表達自己，還覺得自己特別孤獨。”而戲劇，給了他一個不用被任何東西束縛的空間，戴著角色的面具，自由表達自己的情感和體驗。“戲劇教育其實可以慢慢改變一個孩子的性格，可以改變孩子對這個社會的接受度。”
而那些經歷過的工作，給他的表演提供了來自生活的真實體驗，同時，讓他有著頗強的共情和理解能力：“什么樣的角色我都能理解，什么樣的人物，我都覺得沒什么不合理的地方。因為這個社會沒有什么不合理的。你了解了這社會的復雜性，你就不會對劇本說：這個不可能，這個不合理，這個不應該。在我這沒有，都合理，都應該，都有可能。”如今楊皓宇依然習慣觀察各種各樣的人物，身邊的、門口的、菜場的，各種各樣的人物，“每個人物形象對我來說都是一個種子，把它存那兒，沒準哪一天我就演一個那樣的，我就知道他的形象是什么樣。”
[對話]
澎湃新聞：在一開始剛看劇本的時候，你對謝亭豐這個角色的認知，和后來在塑造他的過程中對他的認知，中間有產生過不同和變化嗎？
楊皓宇：一定會有。我們接到一個角色的時候，一開始都是陌生的，劇本看完之后，腦子里面會想身邊有哪些人，和這個角色比較像。 慢慢對這個角色從陌生到清晰，我們也有去體驗生活，也有劇本圍讀。第一天拍的時候，雖然之前做了很多功課，對這個角色都還是有一些陌生。三天之后這種陌生感慢慢就沒有了，后面完全就融入到這個角色當中了，那個角色就是我，我就是那個角色，很熟悉了。和交朋友一樣，有一個慢慢的接觸，到認識，理解，并且相愛的一個過程，這和跟角色之間的關系是一樣的。
澎湃新聞：謝亭豐在第一集就是個很先聲奪人的形象，特別鮮明， 在這個角色的塑造上面，有做哪些準備？
楊皓宇：這個人物慢慢清晰了之后，我們大概定了兩次妝，一次是有胡子的，后面一次是沒有胡子的。服裝上一開始是比較正規的那種，后面包括孫儷[微博]老師也在服裝上提了很多的意見。那個花襯衫都是孫儷老師加的，包括發型，一開始還是比較板正的那種三七開，我們造型老師覺得索性就來個大背頭，沒想到出來效果都特別好。從我接到這個戲開始，服裝老師、化妝老師，包括導演，我們都是在一點一點的調，再一點一點讓這個人物更加準確，更加清晰，這是一個群策群力的事兒。最終呈現出來，大家都還是蠻認可，也很高興。
《安家》劇照
澎湃新聞：其實很多觀眾對你的喜劇作品更熟悉，但你也演過非常多的話劇和正劇，對你來說，喜劇和正劇這兩種表演，哪一種可能對你來說，是更難一些的？
楊皓宇：我覺得都還好，都差不多。因為對于喜劇來說，好的喜劇呢，它分幾個層次。 一般特別大眾的喜劇，它就是需要你去特別夸張的演，去撓觀眾的癢癢。還有一種喜劇呢，它源自人物性格，就劇本寫的，你認真去演就行了。我相對來說，比較喜歡后面一種喜劇，這種喜劇我是蠻喜歡的，而這種喜劇的表演方法，和正劇是沒有太大的差別。所以對我來說，兩種戲是一樣的。
澎湃新聞：對于表演熱愛的原因？
楊皓宇：我覺得它的魅力一直是，讓我可以有豐富多彩的生活，也許我自己的生活很平淡，但是我可以在劇中去享受豐富多彩的生活、各種各樣的情感，這對演員來說是種特別好的生活體驗。第二，在這個環境中你可以認識很多朋友，你也可以在這個工作當中得到快樂。還有一個，很多演員愛表演，不管是站在舞臺上大幕拉開，或者是站在攝影機面前導演喊開始之后，他們的腎上腺素會飆升，就會進入一種比較亢奮的狀態，表演會給你的身體帶來某些化學反應，開心、高興、興奮， 演得好的時候，大家認可了挺愉快；演得不好的時候也會很沮喪，但整個人還是在一種很興奮的狀態下。這也是這個職業的魅力所在。表演有時候像愛情一樣，會給人帶來一種本能的愉悅感。
澎湃新聞：你詮釋過的那些角色，會不會影響到你的生活，包括你為人處世的一些方式和選擇呢？
楊皓宇：會有，我覺得這是相互影響的東西。 其實每接到一個角色的時候，就是一種學習的過程。要把自己身上和角色相關的東西留下發展，把自己身上一些跟角色無關的東西拿掉，然后角色有的你沒有的東西，你必須要去尋找，這個過程也是挺美好的。
澎湃新聞：挺有趣的，你要從自己的身上找到和角色很像的一個種子，然后把種子延伸擴大。演員這種職業，還是挺向內去找尋一種力量。
楊皓宇：是，小種子找到了，慢慢給它澆水，給它曬曬陽光，吹吹風，讓它慢慢的長，還得長得好，這都是一個精心呵護的過程，尋找和發現的過程，挺有趣的。而且你在這個過程當中會發現，編劇也會幫助你，因為他首先會提供一個比較具象的人物在那，服裝、化妝老師都會幫助你，導演他更不用說了，在你的表演整個風格上會來把控做一個，所以它后面是一個團隊合作的結果。
澎湃新聞：從一個角色抽離，準備進入下一個角色的時候，這中間的過程， 你一般來說會怎么去補充那個能量，或者說如何讓自己排除上個角色的影響，重歸白紙的狀態進入下一個角色呢？
楊皓宇：你剛才都已經替我回答了，就是重歸到一張白紙的狀態，讓自己生活得很簡單，保持一個良好的作息，心態簡簡單單。其實空下來也是一個學習的過程，對于我們來說，專業學習是一輩子的事情，包括到現在我聽見一些好玩的繞口令，我還是會去學，聽到一些有趣的歌，我也學。我學東西慢，哪怕給自己一個禮拜、半個月或者怎么樣，來學一首歌，學會了也覺得挺有意思。這個過程也是一種準備，在學新的東西的同時，也容易把原來身上的一些東西清空。
澎湃新聞：你個人在挑選劇本方面有沒有一個固定標準？
楊皓宇：我覺得好萊塢的劇本創作方法，就是蠻值得我們去學習的。比如說在一個電影劇本當中，要出現多少個事件，這個指標是一個硬性目標。基本上一頁紙就是一分鐘，我這個劇本就是120頁，一分鐘不會多。從第5頁開始就要發生大的事件了，第二十多頁要有一個轉變，第四十多頁有個大的轉變，第七十多頁時候有個大的轉變。一個戲里面要求多少個事件在里頭，全部量化評估。從商業的角度來說，它是一個很好的模板。如果說是商業電影的話，我就希望能接到符合這種方法的劇本。文藝電影這塊我就無所謂了，這一塊我覺得可能更多的希望是能展現出人性的東西，好的也好，不好的也罷，能夠深入人內心活動的情感世界里面，能夠剖析這些東西的。我的影視作品的話，我大概就是這兩個要求。
澎湃新聞：聽上去非常的清晰， 是一開始就有這樣的標準？還是慢慢總結和明確下來的？
楊皓宇：慢慢總結。原來拿到劇本都不知道什么好什么壞，后來才覺得劇本必須有轉變，必須得有事件。對于觀眾來說，他的欣賞水平和需求在不斷變化，你老給他們看一樣的東西，看久了以后就沒興趣。他們也對創作者提出了更高的要求，他們的審美在不斷提高。
你去看一個藝術發展得很好的地方，那里的科學發展，人文情懷，文化方面的東西通常也是很不錯的。藝術能推動一些科學范疇的進步，帶來一些社會學的思考和幫助。電影和電視劇如果只當作娛樂，就喪失了它作為藝術的功能，當然它本身可以作為玩具，不是說不可以，只是如果功能更多一點，傳遞給觀眾的信息更多一點，那就更好了。跨領域的內容，它的角度會更加多元化，其實觀眾可能喜歡比較多元化的東西。
澎湃新聞：像你也出演了《流浪地球》，當時大家有討論為什么中國很難出優秀的科幻影視作品。有一種看法：是不是在影視創作人才這一塊的教育上，我們就少了對于科學基礎的夯實？沒有這個基礎的話，要這些創作者去寫一個扎實的科幻劇本，其實是非常難的。
楊皓宇：我覺得這和我們的教育還是有關系的。如果說教育針對個性的培養，就容易出來各種各樣的人才。不管是編劇也好，導演也好，都發揮個性去發展，在自己擅長的領域當中去創作，那一定是什么樣題材都有。但我們現在的教育，我個人覺得它還是，從小學到我們現在，它其實不要求個性，它要求的是共性。共性的話，到后面你就會發現，就包括我們創作者也會覺得：大家都在做這個，我們也就共性一下吧，這個題材它也比較安全。我們就已經養成了這種習慣：這個好，我們就一起去做這個；那個好，我們就一起去做那個。而很少看到那種：我喜歡科幻，我就要在這個領域當中一枝獨秀；他喜歡懸疑，他在懸疑這一塊一枝獨秀。我們還是共性的比較多，個性比較少。這可能也是《流浪地球》能一下顯得很有個性的原因，由于這之前我們太多的共性。
電影還好一點，電視劇上面很明顯。電視劇你看，好像要么就是戰爭題材的，要么就是現代生活劇，在其他各個領域的好像就比較少。我覺得有時候倒不是說人家廣電總局不允許（拍），只是說我們自己的想象力沒到那兒。而且我們的創作有時候受到很多非專業因素的干擾，比如資方之類的。作為一個劇作來說，最核心的、最靈魂的應該是編劇，但我們現在編劇被很多東西左右了，也就沒有辦法去完全投入單純的創作。
我反觀自己作為演員，大格局我沒有辦法去聊，也沒法左右。對于我來說，我只能是把屬于自己的每一場戲給做好。對待每場戲，我們應該像科學家研究課題那樣，專注認真地去鉆研。你說是工匠精神也好，或者說是傻不楞登也好，這場戲你要是不達到出彩的效果，自己心里就過不去。現在有這種對自己的要求。比如讓觀眾看到“老油條”的戲會說“只要你一出來我就想看”，那我就是覺得挺有意義的。這也是我自己的一個工作方法。
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